LA REVOLUCIÓN DE LAS FLORES

Teatro y arte textil para hablar de mandatos femeninos

Bajo la premisa de que las flores no son un mero ornamento sino el motor vital de la biodiversidad, el proyecto La Revolución de las Flores llega para interpelar el rol asignado históricamente a las mujeres y transformar los mandatos en un ejercicio de resiliencia colectiva. La cita es hoy 25 de septiembre a las 18 horas en La Mandinga (Don Segundo Sombra 175), organizado por la Fundación Formosa Crece. El encuentro, destinado a mujeres mayores de 18 años, combina teatro, artes plásticas y conversatorio.

 

 

El proyecto, coordinado por Violeta y Gabriela Zorrilla, parte de una idea potente: así como durante siglos se redujo a las flores a su valor ornamental sin reconocer su rol fundamental en la biodiversidad y la vida en la Tierra, algo similar ocurrió con las mujeres, relegadas a lo estético y lo vulnerable, sin visibilizar su peso real en la historia, la ciencia, el arte y las decisiones sociales.

Inspirada en la filosofía del kintsugi —el arte japonés de reparar las grietas con oro para celebrar la historia y la fortaleza detrás de las cicatrices—, la jornada propone tres momentos interconectados:

• Teatro como disparador: apertura con la obra La Clavelito, una mujer hecha de retazos, protagonizada por Gabriela Zorrilla y dirigida por Violeta Zorrilla. A través del unipersonal impregnado de vivencias personales, la protagonista desarma los mandatos y recuerdos que condicionaron su historia hasta recomponer su propia trama. 
• Conversatorio interactivo: un espacio para que aquello que sucedió sobre el escenario encuentre otras voces, reconociendo las creencias, formas de educación y condicionamientos sociales que atraviesan las experiencias de las mujeres, compartiendo herramientas socioafectivas para identificar y deconstruir las violencias cotidianas.
• Intervención plástica colectiva: con la coordinación de la artista Eugenia Dal Ri Zorrilla, la experiencia pasará del diálogo a la materia. Las participantes construirán un cuadro textil. Cada una llevará un retazo de tela que se transformará, junto con los de las demás, en una flor. Cada pieza estará acompañada por una frase de compromiso personal y colectivo. El resultado será una serie de obras que luego serán expuestas en espacios comunitarios como testimonio tangible de la red entre mujeres.

Entre una mujer hecha de retazos sobre el escenario, una charla compartida y una obra colectiva nacida de pedazos de tela, La Revolución de las Flores trasciende la propuesta artística habitual. Se presenta como una pausa necesaria para detenerse, escucharse y preguntarse qué mandatos siguen cargando las mujeres, cuáles están listas para soltar y qué potencia se despierta cuando cada historia individual se une para tejer una trama común.

JOSÉ DAVID CANDIA: PAISAJES DE LA MEMORIA

El artista plástico formoseño inauguró Retrospectiva – Paisaje – Permanencia – Tiempo, una exposición —en la galería del Teatro de la Ciudad— que reúne obras atravesadas por una pregunta tan cotidiana como profunda: ¿qué queda cuando el tiempo pasa?

 

 

Egresado del Instituto Superior de Arte Oscar Alberto Albertazzi, institución de la que también formó parte durante una extensa trayectoria docente, Candia reúne en esta exposición un conjunto de obras que recorren distintas maneras de experimentar y representar el tiempo. Pero aquí el tiempo no aparece solamente como aquello que transcurre. Se vuelve memoria, experiencia, transformación y huella.

En esa tensión entre permanencia y cambio se encuentra uno de los recorridos centrales de la propuesta de Candia: el tiempo como una dimensión viva, capaz de transformar los paisajes y de resignificar objetos, personas y recuerdos.

NOTA DE TAPA N.º 601 / KEVIN JOHANSEN & LINIERS: UN VIAJE ENTRE EL TRAZO Y LA CANCIÓN

La alquimia de lo real

Una guitarra suena. Al lado, un dibujo nace en tiempo real. Las canciones se vuelven imágenes y las imágenes, relatos. Desde hace más de una década y media, Kevin Johansen y Liniers han construido un tercer lenguaje: uno donde los acordes de la guitarra acústica y los trazos de los pinceles sobre el papel se entrelazan para contar una misma historia. No es solo un recital, ni tampoco una sesión de dibujo en vivo; es una declaración de principios a favor de lo humano, de lo imperfecto y de la sorpresa. En tiempos donde una canción puede ser generada por inteligencia artificial y un dibujo replicado hasta el infinito, ellos apuestan a lo contrario: el error, el trazo imperfecto y la guitarra sin filtros. Un refugio artesanal en una era dominada por la frialdad del algoritmo.

 

Kevin Andrew Johansen, cantante y compositor argentino-estadounidense, que mezcla la música popular del país y América con el rock alternativo y el pop estadounidense, fusionándolos en un estilo que él mismo ha llamado desgenerado, y Ricardo Liniers Siri, historietista, ilustrador, pintor y editor argentino conocido por ser el autor de Macanudo, llegan a Formosa y se presentarán el 23 de abril en el centro cultural La Mandinga. Antes de su desembarco, Día Seis tomó contacto con los artistas para conocer más de ese territorio compartido donde el arte sucede sin red. Reflexionan sobre la mística de sus 15 años de sociedad, el valor de lo humano en el arte, el vínculo entre música e ilustración y esa experiencia irrepetible que sólo ocurre en vivo.

 

 

—Kevin, en el disco Sur o no Sur, Formosa aparece en una canción como una promesa improbable: una casa para Daisy en medio de una milonga. Años después, esa geografía imaginada se vuelve real. ¿Fue una rima o hay un recuerdo real detrás de ese refugio imaginario?

—KEVIN JOHANSEN: Bueno, respecto a esa frase, habría que preguntarle al que hizo ese gran monólogo improvisado, el actor Damián Dreizick. Quedó así la impronta porque la idea era una milonguita criolla en base a una persona trans, con empatía absoluta, algo que sigue muy vigente en la canción. El detalle de la casa en Formosa es absoluta casualidad y una ocurrencia risueña de Dreizick... capaz que tiene parientes, capaz hay alguna conexión. Nada es casual, y yo sé que uno de los primeros lugares al que yo llegué con mi música fue, justamente, Formosa.

 

 

—Hace más de 15 años que trabajan juntos. ¿Qué aprendieron del lenguaje del otro?

—K.J.: Yo creo que aprendimos, tanto Liniers como yo, con la fluidez de la amistad, de la complicidad, y también saber el lugar de cada uno naturalmente, ¿no? Fue algo gradual, él empezó haciendo un mural de espaldas, afiches, tapas de discos... hasta el formato actual. Y la verdad, creo que el crecimiento fue muy a la par de, en mi caso, de entender que la parte visual tenía una atracción innegable y que yo pasaba visualmente a un segundo plano, lo cual me encanta personalmente.

—LINIERS: Lo que más aprendí de Kevin es el escenario, cómo soy yo en un escenario, cómo trabajar con esa adrenalina, con ese tiempo acotado, con gente mirándome. Yo nunca me hubiera subido a un escenario por mi cuenta si Kevin no me hubiese invitado a subirme. Ahora incluso, cuando hago cosas solo, muchas veces invito a amigos. Necesito esa complicidad, un amigo que esté ahí para cuando yo empiezo a despistar. Y sobre la conexión entre el pincel y la guitarra, supongo que más allá de las lecturas freudianas que se les puede hacer a los dos, supongo que las guitarras a veces pintan colores y los pinceles ritmos.

—Llegan con Desde que te Madrid, un registro en vivo. ¿Qué tiene el vivo que sigue siendo irreemplazable incluso hoy?

—K.J.: La grabación en vivo fue una cosa lógica, terminar una gira justo en Madrid, donde tenemos amigos y colegas, como Drexler, o como Las Migas, que habían participado también en el disco anterior de estudio, Quiero Mejor. Así que fue como una cosa natural y orgánica. Fue nuestro primer disco en vivo así: yo solo con mis guitarras y él solo con sus pinceles, haciendo historietas en cada canción del disco, fue un plus absoluto.
 

—L: El vivo tiene algo cada vez más valioso: humanidad. No hay muchas computadoras entre nosotros y lo que hacemos. La guitarra de Kevin es acústica, no usa autotune; yo pinto con acrílicos y pasteles. Es como como que volvemos a esa base, ahora que está todo tan con inteligencia artificial metido por todos lados, y ya no sabemos qué es lo que vemos, qué es real o no. Un show en vivo es cien por ciento real; lo que pasa, pasa ahí, pasa esa noche, si estás ahí compartiste esa experiencia, y la gente agradece eso.

 —El libro Es nuestra forma de comunicarnos pone en palabras y en imágenes el vínculo creativo que los une. ¿Qué pudieron decir ahí que arriba del escenario no aparece?
 

—K.J: El libro es nuestra forma de comunicarnos. De alguna manera, ilustra el disco en un formato como de single; están todos los temas del disco en vivo, cada canción tiene su historieta. Es como otra forma de escuchar ese material.
 

—L: El libro surgió un poco cuando surgió el disco, lo que yo hacía en el escenario no se escuchaba, entonces le dije a Kevin que le iba a llenar el disco de dibujos. Así que dibujé todas las canciones que cantó en ese recital en Madrid, en el disco entraron algunas, en el CD entraron un poco más, pero en el libro pusimos todas. Para la gente que no tenga un tocadiscos o un CD y quiera tener las canciones en su casa, están en el libro; es un libro imposible de leer sin cantar en tu cabeza las canciones. Incluso en silencio, tiene música.
 

—En esta era de algoritmos e Inteligencia Artificial, ustedes proponen algo radicalmente artesanal. ¿El “error” en vivo (el pifie o la mancha) es hoy la última frontera de lo que nos hace verdaderamente humanos?
 

—K.J.: Los errores siempre están. Están en el estudio, están en cualquier taller de arte, y muchas veces los accidentes, como decía Robert Altman, el famoso director, son las mejores partes, o eran las mejores partes de su película. A veces, uno escucha grabaciones de los Beatles y hay pifies. Imagínense qué nos queda a los demás.
 

—L: Yo estoy muy a favor del error, de pintar por afuera de la raya. Cuando Kevin se olvida de alguna canción, en algún momento la gente se pone feliz. Cuando uno busca una obra de arte, no creo que busquemos la perfección, si no todos estaríamos mirando Capilla Sixtina y escuchando Beethoven. Uno busca humanidad en el arte, una experiencia humana, y entonces escuchamos a Los Ramones y leemos historietas y un montón de cosas en donde nos interesa más la persona que está atrás de esa obra. La música de Charly García sin Charly García, no sé si es interesante. Ahora con la inteligencia artificial podemos hacer que Charly cante canciones de Radiohead, ¿quién quiere eso? Yo estoy feliz con que Charly cante las de Charly y Thom Yorke las de Radiohead. Entonces, creo que lo que buscamos es humanidad en el arte. Por un tiempito la inteligencia artificial es como un truco de fiesta, que te dicen “mirá hicieron Volver al futuro 4 con IA”, nos acostumbramos rápido porque es estética pero berreta y la berretada está marcada por la falta de humanidad, nos parece como una especie de fotocopia del arte, y no nos gusta la fotocopia, nos gusta el arte, como decía el gran Juancito: me gusta el arte.

 

Liniers dibujando en el escenario.

—Viajan por el mundo construyendo pequeños mundos en cada escenario. Cuando las luces se apagan y guardan los pinceles y la guitarra... ¿qué es eso que no cabe en ninguna valija, que no se puede editar en un libro ni grabar en un disco, y que es lo único que les confirma que el viaje sigue valiendo la pena?
 

—KJ: Hay una famosa frase de Tom Waits que decía “ir de gira no es viajar”. Como que ir de gira no es hacer turismo, porque a veces estás un día en cada lugar y a través de la gente que se te acerca, los que te reciben, que suelen estar en el área de la Cultura, te recomiendan un museo, un lugar rico para comer, un lugar lindo para pasear. Y, entonces, termina siendo un poco como como decía el gran Rubén Albarrán, de Café Tacuba: “Nos invitan a lugares lindos, comemos rico, nos tratan bien, ¡qué más queremos!”. Un poco es eso, ¿no? El destino de viajar es conocer los lugares a través de la gente.

 

Kevin Johansen dibujando en vivo.

—L: Creo que tanto Kevin como yo tenemos como medio alma de Marco Polo. Kevin seguramente por su infancia tan trashumante que iba de ciudad en ciudad y de país en país, y yo por la falta de eso, por vivir en Buenos Aires y sentir que quería ver el resto del mundo. Así que claramente los dos disfrutamos mucho viajar, y más uno viaja más se encuentran similitudes entre todos nosotros. Todos ganamos y perdemos de la misma manera. Nos enamoramos, votamos por políticos corruptos, nos gusta comer torta y que alguna película esté bien hecha. Somos todos muy muy parecidos y me parece que es sano eso, que las xenofobias y las sensaciones de que el tipo que piensa un poquito diferente en algo político o en una idea económica no es el fin del mundo o que es de otro equipo de fútbol. Los últimos mundiales cada vez más me pongo contento porque gana algún equipo donde tengo amigos, México, Costa Rica, Brasil —salvo que nos ganen a nosotros—. Pero si juega Brasil contra Hungría, no conozco a nadie en Hungría así que querría que gane Brasil. Me parece que hace bien viajar si uno tiene la suerte de poder hacerlo. Es algo que es caro a veces, a veces no es tan caro. Ponerse una mochila, comprarse unos buenos zapatos y salir a caminar hasta donde se llegue, siempre va a ser bien. Se trata de personas el planeta, así que mientras más personas juntemos y más diferentes seamos, sean esas personas más parecidas nos vamos a encontrar.
 

Un show donde todo sucede en presente

 

En escena, no hay red. Una guitarra, un escritorio, hojas en blanco. Canciones que se transforman en dibujos y dibujos que acompañan la música en tiempo real. Este 23 de abril, la “casa en Formosa” abre sus puertas para recibir una alquimia que, después de 15 años, sigue siendo tan fresca como el primer dibujo. En tiempos de algoritmos, Kevin Johansen y Ricardo Liniers Siri proponen algo simple y, a la vez, radical: estar ahí. Porque, como dicen, lo más valioso —todavía— no se puede editar, ni replicar, ni automatizar. Una cita imperdible para quienes todavía creen que el arte, con todos sus pifies y manchas, es lo único que nos salva de la fotocopia.

NINO VALDEZ EXPONE: FAUNA Y MUJER ORIGINARIA DE FORMOSA

En el Museo Histórico y Regional Juan Pablo Duffard está en exposición Raíces Vivas: Fauna y Mujer Originaria de Formosa, del artista plástico Darío Nino Valdez. Estará abierta hasta el 8 de agosto, con entrada libre y gratuita. Es la primera muestra pictórica que el artista realiza en el Museo y para ello seleccionó dos series: La naturaleza nos observa y Homenaje a la Mujer Originaria, que reflejan rostros y paisajes locales. Cada obra refleja desde una notable paleta de acrílicos la identidad formoseña.

 

La obra de Nino Valdez no solo es apreciada por su calidad estética, sino también por ser un testimonio visual de la riqueza cultural y paisajística de Formosa. Es un artista que pinta desde las entrañas de su tierra, ofreciendo una mirada auténtica y sensible sobre su entorno, y es reconocido por su particular estilo figurativo; emplea una paleta de colores vibrantes y expresivos, que a menudo transmiten la calidez y la luz del clima formoseño.

 

Su trayectoria abarca varias décadas con una presencia constante en exposiciones y salones y sus trabajos forman parte de colecciones públicas y privadas. A lo largo de su carrera, contribuyó significativamente al desarrollo de las artes plásticas en Formosa, siendo una fuente de inspiración para nuevas generaciones de artistas.

 

NOTA DE TAPA N.º 571 / CONTRAMANO: SONIA PETKIEBICH Y UN VIAJE VISUAL

Su primera muestra individual

En la galería del Teatro de la Ciudad, la reconocida artista y fotógrafa formoseña Sonia Petkiebich abrió las puertas a Contramano, su primera exposición individual, tras años de una prolífica trayectoria y múltiples participaciones en muestras colectivas por todo el país. Esta exhibición marca un punto de inflexión, invitando al público a sumergirse en la profunda y singular visión de una creadora arraigada en la identidad del Nordeste argentino y el Paraguay ribereño. Lejos de buscar la complacencia, esta muestra se presenta como un acto de interpelación, una invitación a la reflexión crítica sobre la dirección que toma la humanidad, a menudo “a contramano de la vida y del amor”.

 

 Contramano no es solo la primera muestra individual de Sonia Petkiebich, es la consolidación de una mirada esencial que desde Formosa invita a reflexionar sobre la memoria, la naturaleza y la identidad de una región rica en historias y paisajes. En la apertura de la expo que se realizó el miércoles, hubo artistas invitados como Mariana Ríos, en danza, y Guillotina, Facucharmand y Carri y la Michigang que le pusieron música a la presentación. 

Un viaje visual 

Las imágenes de Sonia Petkiebich no son meras fotografías; son el resultado de historias vividas y kilómetros recorridos. Su proceso creativo implica una inmersión genuina en el territorio, viajando a remo en piragua por los ríos Paraguay y Paraná, explorando lagunas y riachos, y adentrándose por tierra en el Oeste formoseño, en parajes como El Potrillo, Las Lomitas y Estanislao del Campo. Es en estos viajes, cargados de emoción y meditación, donde las “fotografías vivas y eternas” la encuentran.

 

Eternidad

 

Contramano es una selección de imágenes meticulosamente “entresacadas” de las extensas series fotográficas de Petkiebich, incluyendo trabajos como Tren fantasma, Escuelita mía, Pachamama kids, Objetos perdidos, Fábulas florescas y faunescas, Textilmente, La Fabril, Chaco, Fortaleza Humaitá y Eternidades. La propia artista explica que, con estos fragmentos visuales, busca irrumpir “de manera breve y oblicua con pensamiento reflexivo y crítico sobre la dosis de humanidad necesaria para reaccionar”. A través de ellas, busca comprender las complejas relaciones humanas con la naturaleza y las diversas culturas que de estas interacciones emergen.

 

Euforia

La trayectoria de Petkiebich en la fotografía se inició en el blanco y negro, revelando y positivando artesanalmente en su laboratorio casero. En esa etapa, su mirada se obsesionó con la línea, la forma y los contrastes altos, buscando enfatizar el misterio de los paisajes elegidos y las vivencias capturadas. Con la incursión en el color, su obra se volcó aún más a la idea del relato fotográfico, poniendo el foco en “lo eterno, en la memoria que nos hace legítimos en este mundo, sabiendo que somos y hacemos historia siempre”.

 

Objeto perdido

 

Los curadores que analizaron su obra destacan su capacidad para jugar con la fragmentación, los objetos perdidos y los pueblos fantasmas. Norberto Fandos describe sus fotografías como aquellas en las que “el sol irrumpe con su fuerza milenaria hasta cegarnos”, mientras que Fabiana Barreda señala que sus imágenes “relatan el tiempo detenido en los objetos, los lugares perdidos y conservados en el recuerdo”, capturando esa quietud de la siesta donde el calor “detiene el reloj y las fronteras entre ciudad y naturaleza se desdibujan”.

Estilo artístico

La obra de Sonia Petkiebich, tanto en fotografía como en otras expresiones artísticas, se enfoca en capturar la esencia de Formosa. Sus imágenes y creaciones suelen retratar la vida cotidiana, los paisajes naturales (ríos, montes, atardeceres), las comunidades, y la rica diversidad cultural de la provincia. Sus fotografías a menudo van más allá de la simple captura de una imagen; construyen una narrativa visual que invita a la reflexión sobre la identidad formoseña, la relación del hombre con su entorno y las emociones que surgen de ese vínculo.

 

A Sonia Petkiebich se la reconoce no solo por su talento individual, sino también por su compromiso con el desarrollo cultural de Formosa. Su trabajo contribuye a documentar y celebrar el patrimonio visual de la provincia. Su enfoque suele ser sensible y busca la profundidad en lo cotidiano, revelando la belleza en los detalles y en las escenas aparentemente simples.

 

 

Nacida en Formosa en 1964, es profesora en Artes Plásticas y perfeccionó su formación en fotografía en diversas instituciones, siendo becada por el Fondo Nacional de las Artes. Su talento fue reconocido con el Primer Premio en concursos de la Dirección de Cultura de Formosa (1998) y el Primer Premio Federal de Fotografía del Consejo Federal de Inversiones (2001), además de selecciones en el Premio Argentino de Artes Visuales OSDE (2005).

 

 

Más allá de los premios, Sonia Petkiebich se distingue por su compromiso con la difusión del arte. Su proyecto Arte a la vuelta, que expone sus fotografías en espacios públicos de Formosa desde el año pasado, es un claro ejemplo de su vocación por acercar el arte a la gente.

Declaración artística

“Si mi obra coincide con los gustos y las necesidades de jurados, especialistas, académicos y gobernantes, seré la artista más cómoda para ellos y esa comodidad tiene muy poco que ver con el espíritu que debe tener todo hecho artístico. El artista debe interpelar, debe sacudir, debe incomodar, con mis fotografías eso hago”. Sonia Petkiebich.

 

 

La declaración de Petkiebich sobre su obra es contundente: no aspira a la comodidad de jurados, especialistas o gobernantes. Para ella, la esencia del arte reside en su capacidad de interpelar, sacudir e incomodar. Y deja en claro su postura frente a la creación artística como una herramienta de cuestionamiento y conciencia.

Contramano reafirma su compromiso con un arte que no teme confrontar, y es un espacio para detenerse, observar y, quizás, repensar la ruta que elegimos como sociedad, a través de la mirada única y potente de una artista que busca la verdad en cada encuadre.

 

NOTA DE TAPA N.º 562 / MUJERES QUE LUCHAN DESDE EL ARTE EN CASA DE ARTISTA

Muestra colectiva y la instalación Seis Mujeres

Una muestra colectiva femenina de artistas consagradas y de jóvenes artistas del NEA, homenaje por el Día Internacional de la Mujer, y la reposición de la instalación artística denominada Seis Mujeres es lo que se puede apreciar —hasta fines de mayo— en la Casa de Artista, un lugar de exposición permanente que funciona como un espacio cultural independiente, dirigido por la artista plástica Gloria Polo (LaGloria) que desde el 2022 decidió abrir las puertas de su casa acercando el arte a la comunidad. Casa de Artistas no cuenta con apoyo económico alguno, ni público ni privado, y se sostiene con fondos propios. Las visitas se realizan mediante acuerdo previo por contacto telefónico (370-4562392) y pueden ser visitas individuales o grupales, guiadas o no, tres veces por semana, tanto para estudiantes de arte como para público en general. La dirección es Amadey 1.508, casa 69, barrio Vial.

 

 

“Cuando el Estado desampara a la cultura es cuando más los artistas tenemos que militar por estirar la sábana para cubrir a nuestra gente, y ayudarla mas todavía para que siga prosperando. Yo soy lo que soy por lo que la educación pública me dio; me recibí acá y los formoseños me pagaron mis estudios, entonces tengo que devolver, y por eso Casa de Artista siempre está abierta”, dice la LaGloria que cuenta que la temática predominante de la muestra colectiva femenina, que se inauguró el 8 de abril, es la condición femenina, aunque la convocatoria es de tema libre y hay obras clásicas, convencionales y también contemporáneas, objetuales y distintos formatos y soportes artísticos. Las artistas que exponen son: Ana Clara Martorelli, Ángelica Cuevas, Lili Polo, Matilde Victorina Collins, María Victoria González, Mirtha Ferreyra, Roxana Toledo, Ana María Puyó, Charo Romea, Lillyan Noriega, Blanca Sosa, María Dowmat, Elvira Suárez, LaGloria, Evelyn Cáceres y Casandra Morell.

Feminismo-antifascismo

La artista plástica inició su año artístico participando de una actividad que tuvo lugar el 8 de marzo, en San Miguel de Tucumán, donde en la celebración por el Día de la Mujer se realizó una marcha multitudinaria, organizada por el Grupo Intervencionista de Tucumán, conformado por mujeres tucumanas, lideradas entre otras por la artista plástica internacional Mane Guantay. Allí se exhibieron diversos estandartes realizados por militantes y artistas plásticos y Gloria Polo —representando a Formosa— estuvo junto a las teatristas Silvia Polo y Graciela Galeano con un estandarte cuya consigna fue Feminismo-Antifascismo, poniendo énfasis en la difícil situación que se experimenta en Argentina, especialmente por los agravios que han recibido las mujeres en esta gestión del Gobierno nacional.

 

 

 

A LaGloria, que celebró 50 años con el arte en el 2024, le gusta el arte social, el arte que se compromete, el arte que se instala en la vida cotidiana, el arte que se popular que es para todos y afirma: “No me gusta el arte de las galerías, el arte del mercado del arte, el que se vende y se compra, ese es el arte que no me gusta, pero lo respeto y lo considero muy válido. Me gusta la concepción de arte para todos, y el arte que es producto de su contexto y de su época, que hace una referencia al contexto y la época”.

Seis Mujeres y una intervención callejera

En Casa de Artista, además de la muestra colectiva femenina, en simultáneo tiene lugar la reposición de la instalación denominada Seis Mujeres, cuyo evento original fue en el año 2001, en la Biblioteca de la Universidad Nacional de Formosa, con motivo de conmemorar el Día Internacional de la Mujer, 8 de marzo. En aquella oportunidad fueron convocadas las artistas plásticas de Formosa Lillyan Noriega, Gloria Polo, Elvira Suárez, Blanca Sosa (+), Delia Onocko, y Lourdes Parajón. La inauguración de la instalación estuvo a cargo de la presidenta de Abuelas de Plaza de Mayo Estela de Carlotto.

 

En esta reposición de Seis Mujeres están tres de ellas: Lilyan Noriega, Gloria Polo, y Elvira Suárez, quienes además representan al grupo artístico e histórico Visual 7, nacido en los años 90 e integrado también por Héctor Noriega, Roberto Noriega y Eduardo Rossi. El material artístico que se expone es el existente, dado que en los últimos veinticuatro años que separan de la instalación original se han perdido y modificado varias realidades. De ese modo, que se pueden apreciar obras artísticas, pero también recortes, fotos, entrevistas, recuerdos. 

Esta instalación, transcurrido el tiempo, será resignificada y se realizará una intervención callejera, frente a la Casa de Artista. Las obras o parte de ellas estarán a la vista, y tendrá lugar también señalizaciones en el barrio Vial. Se trata de formatos contemporáneos, recordando que la idea original de la instalación de 2001 fue de Gloria Polo y Elvira Suárez, y en la instalación ampliada se sumó la labor de Lillyan Noriega.

RÍO TURBIO: SERGIO FALCÓN EXPONE EN EL TEATRO DE LA CIUDAD

En la galería del Teatro de la Ciudad se habilitó la muestra Río turbio, del artista plástico chaqueño Sergio Falcón, que estará hasta el 6 de mayo. La inauguración fue el 28 de marzo, con la participación de la bailarina Manuela Valentinuzzi, que presentó una perfomance.

 

Sergio Falcón es amante de los carteles en papel, en chapa, en tela, en madera, en muro y su obra está atravesada por ellos. Cuenta que esta serie surgió “caminando por nuestra costa chaqueña a orillas del río Paraná donde se pueden apreciar dos naturalezas imponentes que conviven y se nutren desde tiempos ancestrales, desde los pueblos originarios, de un lado el río turbio con sus diversas correntadas y peces, del otro lado separado por una orilla de barro y palos, el monte espeso chaqueño vibrando de verdes”.

 

 

La propuesta de Río turbio es utilizar esas imágenes que describen el romanticismo de nuestro paisaje chaqueño y también una cruel realidad de la contaminación a través de la basura que flota y la basura que no se ve, pero que afecta a todos los seres vivos de nuestro monte y río de la misma manera que nos afectamos nosotros mismos como seres humanos comenzando por el consumo vital del agua dulce.

 

 

“Río turbio es profundidad, fuerza, peligro, todo mezclado; agua, barro, peces, ramas, camalotes, palos, basura”, dice Falcón quien, para poder describir estas sensaciones e imágenes, las transformó en dibujo, pintura, performance, video y objetos realizados con basura que trae el río.

 

Sergio Falcón es un artista plástico que lleva más de 20 años trabajando con la cultura litoraleña, en contacto con la naturaleza de la zona costera. Se inició en el Taller de Artes Visuales de la UNNE en el año 1999 junto al profesor Sánchez Kelly egresando en 2005 como profesional en artes visuales. Su obra se basa en la valoración de la cultura de su región, en contacto con la naturaleza, las imágenes, los relatos, las leyendas, las creencias, las prácticas, las circunstancias y las costumbres de la zona costera. Desde 2017 gestiona las muestras colectivas Hermanos del Río, que reúne artistas del Norte argentino y Paraguay, junto a la galerista de artes Carmen Tenerani.

 

MUESTRA ARTÍSTICA DE SUSANA SCHMIDT

Instagram: @schmidt.arte

 

En la Galería del Teatro de la Ciudad se habilitó la muestra artística de Susana Schmidt, que estará abierta hasta el viernes 20 de diciembre. “Hace más de dos años que vengo trabajando en esta muestra”, dijo la artista plástica, que en esta oportunidad está exponiendo 35 de sus obras.

 

 

“Es una producción de arte fluido, una rama del abstracto, donde hay mucha imaginación y se trabaja el movimiento del color, pero no tanto una figura”, describió, e indicó que por ese motivo es que las personas pueden encontrar distintas cosas, “no todos ven lo mismo y eso es lo que me encanta, porque despierta sensaciones, abriendo la imaginación”.

 

 

Con 30 años de trayectoria, Susana Schmidt explora su creatividad a través de la técnica de oleo impresionista y ha dejado su huella en el mundo del arte. Desde Formosa hasta Francia, su obra cautiva en cada rincón, llevando su estilo único a lugares como Buenos Aires, Salta, Corrientes y hasta Asunción (Paraguay). Su trabajo es una fusión de colores vibrantes, emociones profundas y formas únicas que reflejan su personalidad y pasión por el arte.

Susana exploró diferentes técnicas a lo largo de su carrera, y en un giro audaz viró hacia el arte abstracto, liberando su creatividad en un universo de colores y texturas. Hoy, su técnica fluida en acrílico captura la esencia de la emoción, generando formas dinámicas y únicas que invitan al espectador a la contemplación y conexión sensorial.

 

MUESTRA COLECTIVA DE ESTUDIANTES DEL INSTITUTO ALBERTAZZI

Hasta el 25 de noviembre en la galería del Teatro de la Ciudad estará abierta la muestra colectiva Hambre de arte, cuerpo de pan, de estudiantes de 2.º y 3.er año del Profesorado de Artes Visuales del Instituto Superior de Arte Oscar Alberto Albertazzi. La muestra se inauguró el 15 de noviembre con gran asistencia de público y la presentación de números musicales.

NORBERTO FANDOS: DOCTOR HONORIS CAUSA DEL INSTITUTO SUPERIOR DE BELLAS ARTES DE PARAGUAY

El Instituto Superior de Bellas Artes (ISBA) de Paraguay rindió homenaje a ilustres personalidades del arte y la educación, entre ellos el artista plástico Norberto Fandos, otorgándoles el título de doctor honoris causa en reconocimiento a su invaluable contribución a la institucionalidad de las Bellas Artes en la región compartida. No es la primera vez que el ISBA homenajea a Fandos, puesto que el 29 de junio se inauguró la Librería de Arte a la que se le impuso el nombre del reconocido artista plástico.

 

Fandos es ampliamente admirado por su profundo conocimiento en el dibujo, la pintura y artes afines, como el grabado. Su legado como docente de las artes visuales trascendió fronteras, impartiendo su enseñanza tanto en el ISBA como en la Universidad Nacional de Formosa, inspirando a generaciones de artistas. También se desempeñó como jefe de Gabinete del Subsecretaría de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura en Asunción y actualmente trabaja en la Subsecretaría de Cultura de Formosa. Realiza exposiciones individuales y colectivas en la región del Mercosur desde 1965 y participa en salones regionales, nacionales e internacionales de artes plásticas.

RECONOCIMIENTO AL MAESTRO NORBERTO FANDOS EN ASUNCIÓN

Librería de Arte lleva el nombre del artista

 

En el Instituto Superior de Bellas Artes de Asunción (Paraguay) se inauguró la Librería de Arte que lleva el nombre del reconocido artista plástico Norberto Fandos, en reconocimiento por su invaluable contribución a la institucionalidad de las Bellas Artes en la región compartida. La ceremonia realizada el 29 de junio, en colaboración con la Librería de La Paz, de Argentina, marcó un hito significativo en el panorama cultural de la región. Fandos es ampliamente admirado por su profundo conocimiento en el dibujo, la pintura y artes afines, como el grabado. Su legado como docente de las artes visuales trascendió fronteras, impartiendo su enseñanza tanto en el Instituto Superior de Bellas Artes como en la Universidad Nacional de Formosa, inspirando a generaciones de artistas.

 

La Librería de Arte Norberto Fandos se erige como un espacio dedicado a promover y difundir el arte en sus diversas formas, ofreciendo no solo una selección especializada de libros y materiales relacionados, sino también un punto de encuentro para la comunidad artística y cultural local. El acto inaugural fue una celebración vibrante que incluyó música en vivo, con la participación especial de La Tocatta, grupo que interpreta música del mundo, propias y prestadas.

 

 

Norberto Fandos nació el 20 de enero de 1947 en la localidad santafesinsa de Margarita. Está radicado en la provincia de Formosa desde hace 37 años, intercalando desde 1993 su estadía entre Formosa, Asunción del Paraguay y Yaguarón. Es profesor en Artes Visuales, con especialidades en dibujo y pintura, realiza exposiciones individuales y colectivas en la región del Mercosur desde 1965 y participa en salones regionales, nacionales e internacionales de artes plásticas.

 

También ejerció la función pública, desempeñándose como jefe de Gabinete del Viceministerio de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura de Paraguay, y fue secretario de Cultura de la Comisión Directiva de la Sociedad Castañeda y en tal carácter un activo colaborador y promotor de las actividades culturales realizadas por la centenaria institución.

MUESTRA DE AFICHES DE CINE EN EL INSTITUTO ALBERTAZZI

Expo Cine 2024 es la muestra de afiches de cine diseñados por estudiantes de 2.º año de la Tecnicatura Superior en Diseño de Comunicación Visual del Instituto Superior de Arte Oscar Alberto Albertazzi que se habilitó ayer y se expondrá hasta hoy 5 de julio, desde las 15 en la salón de exposiciones del ISA.

 

En esta oportunidad se homenajea a la diseñadora gráfica Paula Scher, pionera en identidades marcarias y afiches originales con imágenes y tratamientos que marcaron una estética vanguardista a finales del siglo XX.

NOTA DE TAPA N.º 535 / LAGLORIA EXPONE: CASA DE ARTISTA - PINTORA 50 AÑOS

Marcando los puntos de inflexión de su carrera en la expo de junio

 

“Cuando el Estado desampara a la cultura es cuando más los artistas tenemos que militar por estirar la sábana para cubrir a nuestra gente, y ayudarla mas todavía para que siga prosperando. Yo soy lo que soy por lo que la educación pública me dio; me recibí acá y los formoseños me pagaron mis estudios, entonces tengo que devolver, y por eso Casa de Artista siempre está abierta”, dice la artista plástica formoseña Gloria Polo, conocida como LaGloria, quien está celebrando 50 años en el arte y lo hace con una muestra en Casa de Artista, que es su propia casa y que permanentemente está abierta a la comunidad con obras propias y de su colección particular. Casa de Artista - Pintora 50 años, es la muestra de junio que hoy habilitará en Rómulo Amadey 1.508, de 19 a 24 horas, para expresar su felicidad por estar en el arte “alegre, paciente, enojada o peleada con mi obra, siempre en diálogo conmigo misma, a veces en doloroso silencio o en oscuros desencuentros”.

 

 

“Estoy feliz de estar en el arte, para mi la solución personal es estar en el arte, con el arte, con amigos artistas, me rodea mucha gente que es del palo del arte, y son divertidos, no me aburro con ellos”, dice la artista que dio vida a sus primeras obras a los 18 años cuando era estudiante y ganó su primer premio en el Salón Nacional de Obreros y Estudiantes, mientras los fines de semana con Blanca Sosa, Lili Polo, Elvira Suárez, salía a pintar a la calle, de día o de noche, como pintoras impresionistas.

 

 

Gloria Polo nació en Ibarreta en 1953 y vive en la ciudad de Formosa. Es doctora en Investigación Artística, licenciada y profesora en Artes Plásticas, académica delegada por Formosa en la Academia Nacional de Bellas Artes. Tiene una larga y constante trayectoria participando en exposiciones individuales y colectivas, en salones provinciales, nacionales e internacionales, y trabajando en gestión cultural; y en los últimos años trabaja una serie de objetos concebidos con la idea de sustraerse de los paradigmas del arte, sus convencionalismos y normas.

 

“Cincuenta años es toda una vida, o es nada también. Vos miras para atrás y podés ser estatua de sal, pero si mirás para adelante tenés la renovación constante… yo trato de mirar para adelante nomás y disfrutar de la vida, lo que puede ser hoy que sea, y lo que no hagas hoy, puede ser nunca ya. Tengo 70 años y tengo los avatares de la máquina gastada, entonces disfruto como si fuera el último día”, dice la artista a Día Seis al explicar qué significan estos 50 años en la pintura, y agrega: “Yo aprendí el modo de vivir en el arte, del arte para el arte, y que hay un modo de ser y estar en el arte, me lo enseñaron en la Escuela de Bellas Artes, a la que ingresé a los 18 años, cuando estaba por la calle Belgrano. Ahí aprendí que había una manera que a mi gustaba de estar en el arte y de ese estilo de vida no me salí más. He sido artista, docente, gestora cultural, curadora, estudiante, maestra, siempre estuve de los dos lados del mostrador y los dos lados son interesantes”.

Al hablar de arte, LaGloria sostiene que con el paso del tiempo le es cada vez más difícil definirlo: “Es una definición de alta complejidad, soy doctora en Arte, especialista en pintura, y me cuesta definir el arte. La definición es según el punto donde vos te parás, y para mi el arte es un sentido de vida, un sentido de humanidad, es lo que te diferencia de ser animal, y es una necesidad existencial esencial en la vida; yo no puedo vivir sin hacer arte, sin disfrutar del arte, sin estar rodeada de arte  y amigos del arte. Pero también admito que hay otras definiciones de arte. A mi me gusta el arte social, el arte que se compromete, el arte que se instala en la vida cotidiana, el arte que se popular que es para todos. No me gusta el arte de las galerías, el arte del mercado del arte, el que se vende y se compra, ese es el arte que no me gusta, pero lo respeto y lo considero muy válido. Me gusta la concepción de arte para todos, y el arte que es producto de su contexto y de su época, que hace una referencia al contexto y la época”.

Casa de Artista

En la muestra de junio en la casa de LaGloria se podrán apreciar obras pictóricas que la artista seleccionó porque marcan los puntos de inflexión de su carrera como pintora, y también una instalación. Si bien trabaja en distintos soportes, nunca se alejó de la pintura, del color, y pinta en textiles, en objetos, “en lo que sea”, y en esta oportunidad mostrará entre 15 y 20 pinturas de pequeño y gran formato que reflejan continuidades, rupturas, disrupciones en su obra como pintora en 50 años.

 

Casa de Artista no es un museo, no es una galería, es una la casa particular de LaGloria donde tiene alrededor de 2.000 obras suyas, y como toda casa de vecino tiene sus limitaciones espaciales. Cualquier persona puede visitarla, con cita previa que pueden ser guiadas (con explicaciones de cada obra) o no. Las guiadas las hace ella, cuando está, puesto que viaja mucho, o sino las hace su hijo, Alejandro Martín Otero Polo, licenciado en Diseño y Multimedia. Los interesados pueden pedir la cita llamando al teléfono 370 4562392.

La inauguración de la muestra de junio es hoy a las 19 horas, con invitados especiales, estudiantes de Bellas Artes, amigos y gente que quiera ir, con entrada libre. Habrá un brindis por la Casa de Artista, por el arte, por los amigos del arte y por Formosa, puesto que hoy se celebra también un aniversario más de la Provincialización.

En la Casa de Artista el recorrido se hace por el primer piso, estudio de LaGloria, donde expondrá sus pinturas y una instalación. En la planta baja, en la entrada, y en el living hay pinturas de artistas invitados, y en el comedor “que es un sitio muy especial”, van pinturas de la amplia colección de Gloria Polo (alrededor de 100 obras) “que valen la pena tener de artistas locales, nacionales e internacionales, y en esta oportunidad seleccionó a artistas muy transcendentales “porque también es trascendental para mi estar 50 años en la pintura, en el arte”.

Las obras que se podrán contemplar son de Ludovico Pérez, grabador, primer director de la Escuela de Bellas Artes que estaba en la calle Belgrano, donde LaGloria se formó como artista, como docente y como persona; Mario Mollari, muralista; Rodolfo Campodónico, pintor, muralista; Raúl Ponce, dibujante y pintor; Lili Polo (formoseña radicada en Europa), pintora, dibujante, surrealista, con su serie Mediterráneo; Elba Viggiani (pintora formoseña radicada en Tucumán); Gerardo Cantú, muralista y grabador mexicano; Javier Infante, “un joven muy prometedor porteño, docente de la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y egresado de ahí”; y también de Formosa, César Falo Cardozo, ceramista, docente en el Instituto de Arte Alberto Albertazzi (ISA), ex alumno de LaGloria; Ángel Cristian Telechea (instalación objetual y cerámica), docente del nivel Medio, profesor egresado del ISA, y Luján Beloso (máscaras), profesora de Arte: “Son artistas locales que recomiendo, si pueden, compren sus obras, porque son artistas muy valiosos y los tenemos acá, a la vuelta de la esquina a todos”.

 

Entre las obras que seleccionó LaGloria para esta muestra de junio de Casa de Artista están las de un grupo de artistas muy importantes que en los años 70-80 fueron referentes de la renovación del arte nacional y de la resistencia ideológica al golpe militar con sus obras: “Estas obras son de mi propiedad, algunas me las regalaron, como la de Campodónico que fue quien me ayudó a organizar en Formosa -cuando aún era estudiante- el primer Encuentro nacional de Muralistas en la Escuela de Bellas Artes, con los presencia de artistas de los grupos Greda y Espartaco y así vinieron en total 10 artistas, entre ellos Carpani, Molari, Elena Diz, Campodónico que trabajaron en murales. Fue una gran movida en la ciudad, la Escuela estuvo abierta toda una semana a la comunidad mientras trabajan los artistas que tenían como ayudante a los estudiantes. Y de ellos tengo la de Campodónico, homenaje a los desaparecidos NN; de Mario Molari, el boceto de la obra que quedó acá y creo que está en el Hospital o en Canal 11, y a mi me regaló el estudio de color que él hizo; de Raúl Ponce, quien figura en la historia del arte nacional como integrante de grupo Dibujantes argentinos, que hizo la resistencia en los años 70 al golpe militar desde el dibujo. Y como fortaleza de la militancia y la resistencia desde el arte, pensé que tenía que hacer un señalamiento en esa sala, entonces hago el señalamiento del Nunca Más, porque ahora hay que defender la democracia, porque está en riesgo”.

Un arte con mucha vitalidad en Formosa

LaGloria aplaude la vitalidad que dice tiene hoy el arte en Formosa, con mucha gente joven produciendo. “Es muy interesante lo que tenemos, hay una renovación rápida, nada se detiene, nada es estático en la vida de la humanidad. Nos vamos retirando los viejos y están bailando los jóvenes, y me encanta que haya actividad y que se desafíe a los viejos”, afirma, pero hace ver un problema actual, a nivel nacional y mundial, y que es el avance de la ultraderecha “que elimina diversidad y eso es muy peligroso”.

“Los primeros distorsivos –agrega– son los artistas, entonces son los primeros perseguidos y lo que tenemos que callar. Ahora dicen que los artistas tenemos la culpa de todo, que somos curreros, que recibimos del Estado; yo aclaro que nunca recibí nada del Estado como artista, sólo premios en competencias; nunca recibí un subsidio ni del Fondo Nacional de las Artes (FNA), a pesar que lo pedí pero nunca me seleccionaron en nada, tampoco nunca recibí un crédito ni un préstamo como artista, mi me redujeron impuestos como artista, siempre doné obras al Estado, a las escuelas, trabajé gratis, hice murales gratis cuando había escuelas que lo pedían, doné trabajos a municipalidades, como en Ibarreta, en San Martín Dos la entrada la hice yo con estudiantes de Bellas Artes y no cobramos nada, solo se le dio un premio monetario a los estudiantes. Así que ese concepto de que por culpa de la cultura no hay plata en el Estado, que somos la culpa del fracaso económico de la Argentina, es una falacia; cada una de las instituciones cuestionadas en este momento, como el INT, el FNA, el INCAA, entre otras, lo que hacen es producir cultura que tiene un valor intangible que no es monetario, producimos cultura”.

NOTA DE TAPA N.º 526 / FORMOSA EN ARTECO

Vidriera federal para el arte visual del Norte argentino

 

La galería de arte del Teatro de la Ciudad fue seleccionada para participar de la 6.ª edición de la Feria de Arte Contemporáneo de Corrientes ArteCo que se realizará del 23 al 26 de mayo. Karen Cardozo, con pinturas y escultura; Esteban López, con dibujos; y Sonia Petkiebich y Lorena Nitzlnader, con fotografías, son artistas de Formosa que estarán en esta boutique de las artes, un espacio vital para la comunidad artística regional que fomenta el diálogo entre artistas, galeristas, gestores culturales y público. Se realizará en por primera vez en el puerto correntino donde ya se están acondicionando dos galpones que albergarán las obras de 24 artistas, 24 galerías, 13 colectivos artísticos y la muestra de artistas que forman parte del programa de becas impulsado por el Instituto de Cultura de Corrientes.

 

Sonia Petkiebich, quien actualmente expone sus fotos en espacios públicos de la ciudad a través de su proyecto Arte a la vuelta, presentará una serie de seis fotografías: Árbol seco y solo, Euforia, Fortaleza II, Fortaleza III, Eternidad y Objeto perdido.

 

Objeto perdido. Fotografía. Sonia Petkiebich

 

Sonia Petkiebich actualmente expone sus fotos en espacios públicos de la ciudad a través de su proyecto Arte a la vuelta, y en ArteCo presentará una serie de 6 fotografías

 

Lorena Nitzlnader expondrá una serie de 5 fotos.

Fotografía de Lorena Nitzlnader

Karen Cardozo expondrá en pintura la serie llamada Formobichos integrada por las obras Brutalidad policial, Elixir, Insectruocity en vivo, Tarde de mates, y Realidad laboral, además de la escultura Metamorfosis.

 

Metamorfosis. Escultura. Karen Cardozo

 

Esteban López llevará a ArteCo dos de sus dibujos (retratos).

Fotografía de Esteban López

Walter Tura, coordinador de la Galería del Teatro de la Ciudad, destacó en Día Seis Radio por FM Espacios 92.5 la calidad de las obras de los y las artistas que representarán a Formosa en esta boutique de las artes, como lo definió el artista visual, y que se constituye en una importante vidriera federal para el arte del Norte argentino y un espacio vital para la comunidad artística regional que fomenta el diálogo entre artistas, galeristas, gestores culturales y público en general.

Tura señaló además que la Galería del Teatro, creada en el 2020, tiene como misión y objetivo promover las iniciativas artísticas provinciales y de la región NEA, y se plantea como estímulo a la diversidad en las prácticas artísticas visuales, tanto clásicas como contemporáneas, tradicionales o combinadas, de artistas emergentes o de trayectoria.

Además de la exhibición principal, ArteCo ofrecerá diversas actividades como el Festival de Arte Sonoro (ArteSo), Festival Play y videoarte, la muestra Museo Doméstico, el coleccionismo individual como resguardo del patrimonio colectivo en el Museo de Bellas Artes, y charlas, conversatorios y presentaciones de libros, entre otras propuestas. Uno de los aspectos más destacados es la participación de artistas de la región, quienes tienen la oportunidad de mostrar su talento y compartir su trabajo con una audiencia más amplia y especializada.

La misión fundamental de ArteCo como proyecto reside en impulsar el desarrollo y la expansión del sector artístico, promoviendo la difusión y venta de obras de arte del país y los países limítrofes. Su objetivo primordial es facilitar un espacio propicio para el intercambio, facilitando el encuentro entre artistas y galerías, así como fomentando la colaboración y conexión entre los propios artistas asociados. La importancia de la Feria radica en su capacidad para promover la cultura y el arte, así como en su impacto positivo en la economía.

La selección de artistas

El proceso de selección de artistas para esta 6.ª edición de ArteCo fue riguroso y minucioso. Un jurado integrado por Joaquín Rodríguez, Yuyo Gardiol y Fernanda Toccalino evaluó las propuestas de artistas de diferentes disciplinas, como pintura, escultura, fotografía, videoarte, performance, entre otras, buscando garantizar la calidad y diversidad de la exposición. Además de los artistas seleccionados a través de la convocatoria abierta, también se suman aquellos beneficiarios de la beca Estímulo a la Creación, otorgada por el Instituto de Cultura de Corrientes y que tiene como objetivo apoyar y promover el desarrollo de proyectos artísticos.